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ベートーヴェン巡礼：絶頂から大フーガへ

Belém · Centro Cultural de Belém

2025年1月、ジョアン・ロイス・アンサンブルは、アレシャンドレ・デルガードの協力を得て、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェン（1770年—1827年）の没後200年を記念し、ベートーヴェン巡礼2025—2027を開始しました。この全国プロジェクトは、作曲家の生涯と作品、そしてヨーロッパのヒューマニズムへの貢献を称えるものです。3年間にわたり、アンサンブルはベートーヴェンの室内楽全曲（弦楽三重奏曲、四重奏曲、五重奏曲）を全国で演奏します。ポルトガルでは前例のないこの取り組みは、聴衆に作曲家の作品と思想への深い理解を提供します。コンサートではアレシャンドレ・デルガードがライブで解説を行い、聴衆と対話しながら、作品の歴史的・美的文脈を説明します。ベレン文化センターでの最終コンサートでは、ベートーヴェンの死後200年を記念し、並外れた力と超越性を備えた作品である弦楽四重奏曲作品59第3番と大フーガ作品133が演奏されます。アレシャンドレ・デルガードによる解説付きコンサート。エル・コルテ・イングレスは、CCBのクラシック音楽仲介プログラムを支援しています。

復活祭コンサート — ヴェルディ レクイエム

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ジュゼッペ・ヴェルディの『レクイエム』は、その規模と音楽的書法において、このジャンルで書かれた最も記念碑的な作品の一つであり、この種のレパートリーに伴ういくつかの制約に挑戦しています。レクイエム・ミサを作曲するというアイデアは、歴史的動機と個人的な賞賛から生まれました。ヴェルディが非常に尊敬していた作家アレッサンドロ・マンゾーニが1873年に亡くなった後（特にリソルジメント運動への文学的貢献において）、作曲家は『レクイエム』の作曲を提案し、このアイデアはミラノ市長に好意的に受け入れられました。ヴェルディは、1874年5月22日のマンゾーニの一周忌に初演することを目的に作品の作曲に着手しました。初演はその日、ミラノのサン・マルコ教会で、彼自身の指揮と著名なオペラ歌手のキャストによって行われました。オペラ的な言語は、このジャンルへのヴェルディのアプローチを示しています。作品の各セクションを通して、ヴェルディは、インスピレーションを受けた旋律、劇的で緊張した瞬間、ほとんど非現実的な音色を通過する、魅惑的な音楽的書法において、異なる表現手段を使用しています。プレコンサートトークは30分前に開催。エル・コルテ・イングレスはCCBのクラシック音楽仲介プログラムを支援しています。

Cara de Espelho

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鏡は無害な物体だ。しかし、それが当たり始めるまでは。当初から、Cara de Espelhoは鏡が最も得意とすることをするためにそれを使っている。すなわち、小さな権力と大きなずる賢さ、都合の良い信仰と選択的な怒り、進歩を装った商売、真実に見えるまで繰り返される嘘、事実を必要としない意見、そして自らの外套から泥を払い落とすための古くからある、そして新しい多くの方法を明るみに出すことだ。2027年4月1日、その世界がリスボンのCCB大講堂にやってくる。Cara de Espelhoの中心に常にあったもの、すなわち行動を観察し、言説を解体し、矛盾を認識し、それらすべてを歌に変えることをテーマにした一夜。バンドの2枚のアルバムが、Cara de Espelhoの世界とそのアイデンティティを形作ってきたレパートリーを集めたショーの素材となる。ステージには、その世界に住む物語、キャラクター、人物が登場する。そして、他の顔もまた登場する。

ヴィクトリアとドゥアルテ・ロボのレクイエム

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トマス・ルイス・デ・ビクトリア（1548年–1611年）の『死者のための聖務日課』は、ヨーロッパ・ルネサンスの最高傑作の一つであり、スペインの音楽的神秘主義の最も偉大な表現とみなされている。マドリードのラス・デスカルサス・レアレス修道院におけるオーストリア皇太后マリアの葬儀のために作曲されたこの曲集は、徹夜祷からレクイエムミサ、最終赦免に至るまで、葬儀の主要な場面に沿って展開し、並外れた簡素さを通じて達成された表現の強烈さで、今日でもなお驚かせる。プログラムの後半では、この作品を、17世紀初頭のポルトガル聖歌ポリフォニーの中心的人物であるドゥアルテ・ロボ（c. 1565年–1646年）による八声の『死者のためのミサ曲』と対話させる。1621年にアントワープで出版されたロボのレクイエムは、イベリア・ポリフォニー伝統の継続性を示し、死者のための聖務のグレゴリオ聖歌に密接に結びついた、広大かつ荘厳な書法を展開し、輝かしい同音異義語と抑制された対位法の間の均衡によって特徴づけられる。アレシャンドレ・デルガードによるプレコンサート・トークは19:30。エル・コルテ・イングレスはCCBのクラシック音楽仲介プログラムを支援している。

ヴィヴァルディ、アルチンボルドの四季

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ヴェネツィア、1723年。アントニオ・ヴィヴァルディは、オスペダーレ・デッラ・ピエタでの任務に忙殺され、ヴェンツェル・フォン・モルツィン伯爵からの依頼に追われ、創造の行き詰まりに直面していた。疲れ果てた彼は居酒屋に逃げ込み、そこで傷跡のある見知らぬ男が彼に4枚の神秘的な絵画を売りつける。家に帰ると、その絵には果物や葉っぱでできた顔（ジュゼッペ・アルチンボルドの作品）が描かれているのを発見する。インスピレーションを得たヴィヴァルディは、絵画が呼び起こす音楽的な幻視に導かれ、数日で『四季』を作曲する。その後、4枚の絵のうちの1枚に1563年という日付を発見し、それらが盗品であったことに気づき、警察に返却するが、その記憶は決して彼を離れない。数年後、ウィーンでそれらの絵を再び見つけようとし、運命は傷跡のある見知らぬ男を彼の前に戻し、悲劇的に作曲家の最期を飾ることとなる。コンサートはジョルジェ・サルゲイロによる解説付き。エル・コルテ・イングレスはCCBのクラシック音楽メディエーション・プログラムを支援している。

グラスワークス＆アーリーワークス

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1968年の設立以来、フィリップ・グラス・アンサンブルは、現代を代表する最も影響力のある作曲家の一人の作品の主要な演奏者であり、守護者であり続けています。『アーリーワークス』では、アンサンブルはフィリップ・グラスのミニマリスト言語の原点に立ち返り、音楽を考え、聴く新しい方法を定義した作品のいくつかを再訪します。プログラムの中心は、フィリップ・グラスをより幅広い聴衆に紹介し、彼のキャリアの転機となった作品、『グラスワークス』（1981年）です。スタジオアルバムとして構想されたこの作品は、木管楽器と鍵盤楽器のための6曲から成り、メロディックなパターンが反復、変容、そして織り交ざり、催眠的な明晰さと独特の表現力を持ちます。『オープニング』や『ファサード』などの作品は、今もなお作曲家の最も象徴的な作品の一つです。グラスの長年の協力者であるマイケル・リースマンの音楽監督のもと、アンサンブルは、この美学の特徴となった絶え間ない脈動、層状のテクスチャー、推進力を備えたエネルギーを、驚くべき精度で再現します。回顧展というよりもむしろ、『アーリーワークス』は、ここ数十年の音楽界に深く変革をもたらした音楽の力と現代性を明らかにする、没入型の体験です。コンサート前の対談は、セザリオ・コスタ氏により19:30から行われます。エル・コルテ・イングレスは、CCBのクラシック音楽仲介プログラムを支援しています。

ベートーヴェン交響曲第6番『田園』

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指揮者エミリオ・ポマーリコが、交響曲レパートリーの中でも最も田園的な作品の一つである『田園交響曲』を演奏するためにポルトガルに戻ってきます。これが1808年12月に交響曲第5番と並んで初演されたとは信じがたいことです。自然を音楽に変容させることで田園生活を想起させ、そうした風景の中での人々の感情を表現しています。5つの楽章から成り、古典的な形式の限界を超え、感覚と感情の生き生きとした衝動によって特徴づけられる、瞑想的な旅へと私たちを導きます。このコンサートでは、アナ・セアラの詩的な音色、和声、旋律が加わります。その前に、シューマンが管弦楽作曲の最高峰に挑戦した序曲、スケルツォ、終曲の連なりからなる小さな交響曲、あるいは組曲が演奏されます。プレコンサート・トークはルイ・カンポス・レイタンにより16:30から行われます。エル・コルテ・イングレスはCCBのクラシック音楽仲介プログラムを支援しています。

複数回開催

私の通りの人々

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オンジャキの『私の通りの人々』— 作者の子供時代の記憶を基にした物語を集めた本 — から、これらの短い物語を舞台芸術へと変える学際的なパフォーマンスが生まれました。原作と同様に、小さなエピソードが地区の親密で集合的な肖像を構成しており、このパフォーマンスは日常生活の断片を呼び起こし、発見、連帯感、驚きに満ちた子供時代を明らかにします。オンジャキの文章の口承性と詩的な側面を保ちながら、演出は多声的な空間として構築され、ユーモア、優しさ、驚嘆が演者たちを貫き、個人的な記憶と共有された記憶の両方を呼び起こします。創作の中心的な要素は、ビデオまたはオーディオによるナレーションを通じたオンジャキ自身の存在であり、文学、映画、演劇の間の対話を強化しています。舞台美術は、ビデオ投影、透明シートの背面投影、ライブドローイングを組み合わせ、絶えず変化する視覚的領域を生み出します。こうして舞台は記憶の生きたアーカイブとなり、友人、隣人、家族が作家と演者たちの愛情深い人物像として浮かび上がります。

リスニングの線

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作曲家、ヴァイオリニスト、歌手であるキャロライン・ショーは、現代音楽の最も著名な人物の一人です。2013年には、ピューリッツァー音楽賞の最年少受賞者となり、その栄誉は、現在最も著名な演奏家やアンサンブルとのコラボレーションによって特徴づけられるキャリアを後押ししました。このプログラムでは、アオラ・クインテットが彼女の音楽に完全に捧げ、その創造的言語のさまざまな側面を明らかにします。『ブループリント』と『プラン＆エレベーション』では、建築、空間、構築への言及が、偉大な音響的想像力に満ちた作曲の出発点となっています。ヨーゼフ・ハイドンの四重奏曲に触発された『アントラクト』は、彼の古典的な言語を現代的な視点から再解釈します。『プンクトゥム』は、ヨハン・ゼバスティアン・バッハのコラールに触発され、単一の和音の音色と表現の可能性を探求します。過去の反響と深く現代的な言語の間で、アオラ・クインテットとキャロライン・ショーは、私たちを、新しく、好奇心旺盛で、変化に対して開かれた耳で伝統を再発見するように誘います。コンサートの30分前の15時30分から、ジョアン・マテウスによるガイドツアーがあります。ミュージック・アット・ザ・ミュージアム・サイクルが開催される日には、アンテナ2のアンドレア・ルピによる番組『A Voz das Cores』が、コンサートとMAC/CCBで鑑賞できる作品に完全に捧げられます。

合唱団 – ミッション：民主主義

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学際的コンサート — 初演「自由は、一人ひとりの声が重要になるときに始まる。すべての声が同じ言語を話すわけではないが、すべての声が重要である。未来は多くの声と多くの手で築かれる。民主主義は、すべての声が聞かれるときに始まる。」スザナ・フランセス 私たちが通り過ぎた場所によって形作られるならば、自由であることは自分自身の道を選ぶことができることである。書籍コレクション『ミッション：民主主義』に触発されたスザナ・フランセスは、異なる文化と世界の見方の間の音楽の旅を提示し、言葉とリズムが交差して、アイデンティティ、故郷、記憶について考察する。音楽は、単純で緊急な問いから生まれる。「声を持つとはどういうことか？ 私の居場所はどこか？ 異なる文化が出会うと何が起こるのか？」国境が変わり、社会が変容する時代に、スザナ・フランセスは観客を、多くの声、多くのリズム、多くの手で作られた、出会いと自己主張の空間を想像するように誘う。アフリカ文化の多様性に動かされ、彼女は舞台を、アフロ・ミュージカルの基調が全作曲を貫く、生きた集会と集団的傾聴の場へと変える。この旅は、観客に民主主義における生活の精神、すなわち共に創造し、他者に耳を傾け、誰も対話から取り残されないようにすることを考察するよう促す。アクセシビリティ：4月25日11:30の公演は、ポルトガル手話通訳付き。

ヴェルディ『仮面舞踏会』

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親友の妻に恋する王。裏切りを発見するも、名誉ある行動を取るには遅すぎる陰謀家。誰も信じようとしない予言をする占い師。そして、物語のすべての糸が収束する仮面舞踏会。1859年2月17日にローマのアポロ劇場で初演された『仮面舞踏会』は、ヴェルディの最も特異な作品の一つです。アントニオ・ソンマによる台本は、1792年の仮面舞踏会でのスウェーデン王グスタフ3世の暗殺に基づいています。ヴェルディの手にかかると、政治的陰謀と秘密の恋は切り離せないものとなり、王とその顧問レナートとの友情は、二人の誰も制御できない情熱の重みの下で崩れ去ります。楽譜は悲劇と軽やかさの間を動き、特に王の小姓オスカーに託されたページでは、ヴェルディがパリの舞台での経験から吸収した、特徴的にフランス的な軽やかさが音楽に輝き渡ります。リスボンはこのオペラの歴史の中で特別な位置を占めています。ローマ初演からわずか1年余り後の1860年4月15日、当時の王立サン・カルロス劇場は、イタリア国外で初めて『仮面舞踏会』を上演したオペラハウスとなり、主役を創演したテノール歌手ガエターノ・フラスキーニがポルトガルの首都でその役を再演しました。各公演の30分前にプレコンサート・トークが行われます。エル・コルテ・イングレスは、CCBのクラシック音楽メディエーション・プログラムを支援しています。アクセシビリティ：4月30日の公演には音声解説付きセッションがあります。

Ama e Faz o que Quiseres

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Zé Mariaがセカンドアルバム『Ama e Faz o Quiseres』を発表し、現代ファドのシーンで確立してきた芸術的歩みの新たな章を明らかにします。リスボンの伝統の継承者でありながら、独自の言語を備えたこのファディスタは、記憶と現代性、解釈の感性と歌われる言葉の真正性が共存する特異な作品を築き、紹介してきました。Museu do Fadoからリリースされたデビュー盤に続き、Zé Mariaは詩的なメッセージと聴衆に感動を与える力に特に注意を払いながら、ファドの刷新の可能性を継続します。『Ama e Faz o Quiseres』はファドと歌のアルバムであり、愛という理念——そのさまざまな側面において——を人間の経験と成就の根源とする共通点を持っています。今回もまた、ファディスタはTiago Torres da Silva、Teresinha Landeiro、José Quintela、Bernardo Couto、João Filipeといった名前とともに、いくつかの新曲の作詞作曲を手がけています。

上から見ると、街は詩だ！

Belém · Centro Cultural de Belém

公演＋対話 — 初演 目に見えないけれど、私たちが優しく詩的な方法で成長するのを助けてくれるものがあります。それは「法」です。法はさまざまな形や色を持つことができます。法を学ぶと、私たちはより自由になり、大きな愛情にあふれた目で他者を見ることができるようになります。『上から見ると、街は詩だ！』は、音楽、照明、マリオネット、オブジェ、俳優たちが、自由にとっての法の重要性についての物語を紡ぐ公演です。アクセシビリティ：5月8日16:30にリラックスした雰囲気のセッションを開催。

Ka-In

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印象的な身体的言語を備えたGroupe Acrobatique de Tangerの13人のアーティストが、サーカス、ダンス、夢の間をめまぐるしく旅する。舞台上では、光と影の世界が、海、空、知恵、静けさを想起させる鮮烈で輝くシャウエン・ブルーに貫かれる。稀有な正確さを持つ集団的な動きと、個々の主張のジェスチャーの間で、KA-INはアイデンティティ、勇気、そして人間が自らを再生する力を問いかける。身体は、アクロバット、落下、衝動、宙吊りの連続する流れの中に身を投じ、リスクを美に、疲労を自由に変える舞台の記述を生み出す。青春と友愛への賛歌であるKA-INは、感染力のあるエネルギーに満ちた、力強くかつユーモアあふれるダンス・サーカスであり、各々の身体が自らの限界を超えようと試みる。現代的な言語を通して、このショーはモロッコの文化的ルーツを呼び起こしながらも、エキゾチシズムや決まり文句に決して陥らず、むしろ活気に満ち、多様で、深く生き生きとした人間性を明らかにする。* 良くも悪くも、人間の歩みは常に揺るぎない好奇心によって導かれてきた。向こう側に何があるのかを知りたいという飽くなき欲望によって。ラファエル・ボワテル

パーセルと現代の女性作曲家たち

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ヘンリー・パーセルのセミオペラ『妖精の女王』（1692年）からの表現力豊かなアリア、合唱、前奏曲が、プログラム全体を貫くバロックの糸を形成する。遊び心にあふれた音楽は、ウィリアム・シェイクスピアの名高い戯曲『夏の夜の夢』のモチーフ、すなわち自然と季節の競演、愛の矛盾、夜の魔法を描き出す。これらの作品に並んで、キャロライン・ショー、ラウラ・マルコーニ、メレディの作品や、アンサンブル・シャエラとアーティスト、シャラ・ノヴァのコラボレーションによる『Hypophysis』も演奏される。コンサートは最終的に、パーセルの穏やかな『Hush no more, be silent all』で夜の静けさに包まれる。鳥のさえずり、夏の夜、郷愁、そして静寂の中で、プログラムはバロックの想像力と、自然と人間の感情に対する現代の視点を巡る。プレコンサート・トークはルイス・バストス・マシャド氏による19時30分開始。エル・コルテ・イングレスはCCBのクラシック音楽仲介プログラムを支援している。

ワークショップ マリオネッツと民主主義

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上から見た街は詩です！「マリオネッツと民主主義」ワークショップでは、参加者が公演とポルトのマリオネッツの世界を体験するよう招待します。この探求の基盤には、法、自由、愛、詩という概念があります。共有の環境の中で、私たちは創造性を通じて新しい都市を創り出します。

パントゥアン

Belém · Centro Cultural de Belém

パントゥアンは、声と打楽器のクインテットで、催眠状態と恍惚の間を行き来しながら、音楽を祝祭として捉える古来の考え方を主張する。日常の雑事から最も超越的な喚起に至るまでの祝祭である。マリアナ・ディオニジオのプロジェクトで、時間の概念、調性言語、言葉の一般的な用法に疑問を投げかける開放的なメカニズムに基づいて書かれた音楽を特徴とする。

複数回開催

渡りたい。だから渡る

Belém · Centro Cultural de Belém

パフォーマンス／インスタレーション — 初演 何が渡れて、何が渡れないのか、どうやって知るのだろう？2歳の子どもが言う。「渡りたい。」返ってくる答えは「だから渡る。」『渡りたい。だから渡る。』は、許可を求めることと行動を宣言することの間にあるものを探求するパフォーマンス・インスタレーションです。それは厚かましさに近づきます。「通さない！」と言う空間に出会います。それらの距離と近さを踊り、遊びます。ダンス、音楽、音の中の3つの人間の身体と、1つのインスタレーションの身体が観客と出会い、パフォーマンスを共有された通過へと変えます。ここでは、欲することは力に近づき、遊ぶことは詩的かつ政治的なジェスチャーとなります。アクセシビリティ：5月19日と26日の11:00にリラックスしたセッションを開催。

トラマス・ソノーラス

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ジョン・ルーサー・アダムズの音楽作品『イリマク』の簡潔なプログラム・ノートと、『メイ・アイ・ヘルプ・ユー？ お手伝いしましょうか？ 1970年代以降の芸術とアーティスト』の展示解説の結論部分との交差から、観客は速度を緩め、拡張された時間性の中に身を置くよう招かれ、そこで聴くことは存在の行為へと変容します。イリマクとは「精神の旅」を意味し、私たちを沈黙、静寂、そして周囲の環境への理解へと導きます。音は、身体と空間の相互依存性を体験し知覚するための手段となります。『メイ・アイ・ヘルプ・ユー？』は、問いかけ、挑発し、断片化し、気を散らすことで、周囲への注意が倫理的・政治的考察を呼び起こす出会いの場を提案します。両提案は、受動的な熟考を超え、『イリマク』における音響環境の聴取、あるいは『メイ・アイ・ヘルプ・ユー？』によって促進される批判的対話の観察を通じて、能動的な感覚的参加へと私たちを招く美的体験へと導きます。ミュージアム・ミュージック・サイクル開催期間中、アンテナ2のアンドレア・ルーピ制作による番組『色彩の声』は、コンサートとMAC/CCBで鑑賞できる作品に完全に捧げられます。15時30分からジョアン・マテウスによるガイドツアーが行われます。

スピーク・ロウ

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『スピーク・ロウ』は、クルト・ヴァイルという人物と、その悲劇的でありながら魅惑的な軌跡を軸に、演劇、映画、生演奏の音楽を横断する舞台作品です。彼の音楽、そしてそこに宿る詩を通して、ヴァイルがワイマール共和国のドイツからナチス政権下のドイツへ、そして後にアメリカ合衆国へと渡った道のりを追体験します。それは、亡命、再生、そして生存によって特徴づけられる、芸術的かつ人間的な旅路です。公演を通して、作曲家が経験した歴史的かつ内面的な変容は、彼の作品の並外れた美しさを通して明らかになります。本作には、アドリアナ・ロメロ監督によるオリジナル映画の上映と、歌手、ナレーター、そしてパフォーマンスの中心人物を務めるカタリーナ・ヴァレンシュタインの舞台での出演が含まれます。舞台上では、オルケストラ・セム・フロンテイラスの奏者たちがヴァイルの音楽を演奏し、女優と対話しながら、感情的で映画的な強い力を持つ舞台空間を構築します。音楽アレンジと映画に含まれるナレーションの脚本は、マルティン・ソウザ・タヴァレスによるものです。扱われる主要なテーマには、人間の適応、記憶、亡命、そして記憶の場が含まれます。クルト・ヴァイルの生涯と作品に加えて、本作はシュテファン・ツヴァイク、W・G・ゼーバルト、ダニエル・ブラウフクスの世界からもインスピレーションを得ています。『スピーク・ロウ』は2024年12月にリスボンのサン・ルイス市立劇場で初演され、それ以来上演を続けています。

ベートーヴェンのラズモフスキー弦楽四重奏曲第1番

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1802年、難聴の不可逆的な進行に直面し深い絶望の中にあったルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンは、その死後まで明かされることのない書簡を兄弟に書き送りました。いわゆる「ハイリゲンシュタットの遺書」です。これは別れの言葉である以上に、孤立、屈辱、そして抵抗の胸を引き裂くような告白です。しかし、その文書は「芸術のために」生き続けるという確固たる道徳的決意で締めくくられています。この劇的な時期の後に作曲された最初の作品である、3つのラズモフスキー弦楽四重奏曲 Op.59 第1番は、まさにそのような状況の中で生まれました。この作品の記念碑的な壮大さは、痛みを伴う内省の瞬間と共存しており、あたかも遺書に明かされた人間的な緊張が、ここに音楽的な類似物を見出しているかのようです。それでもなお、この弦楽四重奏曲の核心には、希望を伝え、生きる意志を再確認させる、ある種の光り輝くような、空気のような特質があります。抒情性、英雄性、そして不安の間で、この弦楽四重奏曲は、個人的な危機を普遍的な次元の芸術的創造へと変えるベートーヴェンの能力を示しています。アレクシス・ハッチ、ヴィセンテ・ソブラル、イルマ・シュケンデリ、イレーネ・リマによって結成されたアルマ・ノヴァ弦楽四重奏団は、ベートーヴェンがその最も偉大な例の一つである再生と芸術への愛という創造的な力に突き動かされて登場しました。ポルトガルの主要オーケストラで指導的役割を担ってきた様々な経歴を持つ4人の音楽家は、弦楽四重奏団の中に、傾聴、脆弱性、そして芸術的再生のための空間を見出しています。ペドロ・ワレンシュタインによる解説付きコンサート。アクセシビリティ：音声解説付きセッション。

ショスタコーヴィチ交響曲第10番

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ショスタコーヴィチは、その多くが真に記念碑的な規模を持つ、全15曲の交響曲を作曲した。彼の音楽制作は、ソビエト連邦の歴史的文脈と不可避的に交差している。1948年、彼は他の作曲家たちと同様に、「形式主義的」とみなされた音楽を書いたとして弾劾された。作品の genesis については議論があるものの、ショスタコーヴィチは1953年3月のヨシフ・スターリン死去後、この交響曲を作曲するという考えを受け入れたとされるが、明確なプログラムはない。それでもこの作品は、その出来事をやや異例な方法で示唆している。しかし、作曲家の他の作品と同様に、その言及は、暗い瞬間や感情的で強烈な瞬間を経由する、非常に豊かな内面世界をも示している。4つの楽章は明確な性格を持ち、それぞれ異なる特徴を備えており、ショスタコーヴィチは自身の名前に結びついたDSCH音型など、様々な音楽的引用を探求することができる。この音型は複数の楽章に現れ、作品に統一感を与えている。初演は1953年12月17日、レニングラードにて、エフゲニー・ムラヴィンスキー指揮、同市のフィルハーモニー管弦楽団によって行われた。プレコンサート・トークは開演30分前。エル・コルテ・イングレスは、CCBのクラシック音楽仲介プログラムを支援している。

議会に席はあるのか？

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屋外公演『議会に席はあるのか？』は、民主主義の草創期から現代に至るまでの歩みに目を向け、その考察と、アゾレス諸島の政治・行政自治の構築過程を交差させるインタラクティブなパフォーマンスです。この文脈から、この公演は、女性の立場と、アゾレスの政治生活において女性がどのように表象されてきたか、そして現在も表象され続けているかを問いかけます。記憶、参加、批判的問いかけの間で、このパフォーマンスは、歴史的に女性が占めてきたこれらの場所を可視化するとともに、現在の光に照らしてそれらを再考し、更新しようと試みます。この集団的考察に観客を招きながら、『議会に席はあるのか？』は、技術変革、新たなコミュニケーション形態、そして現代の市民参加の課題によって特徴づけられる時代における民主主義の未来に疑問を投げかけます。アクセシビリティ：6月6日15:00の公演は、ポルトガル手話通訳付きです。

The Best of Ute Lemper

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40年以上にわたる卓越した国際的キャリアの中で、Ute Lemper はミュージカル、歌曲、キャバレー、タンゴ、シンガーソングライターの音楽の間を横断する独自の芸術的道のりを築いてきた。この公演で、Ute Lemper は自身のレパートリーの中でも最も象徴的な作品のいくつかを再訪し、聴衆を彼女の軌跡を特徴づけた様々な音楽的風景を通る旅へと誘う。ミュージカルの大作から Kurt Weill の音楽、フランスのシャンソンからアルゼンチンタンゴ、そして自身の作曲作品に至るまで、それぞれの歌は、文化と時代の交差を自らのアイデンティティの特徴とした芸術家の物語の一部を明らかにする。親密で、強烈で、深く個人的な The Best of Ute Lemper は、Ute Lemper の音楽的肖像である——自らの軌跡を文化、言語、伝統の間の架け橋へと変え、その声が音楽の偉大な物語に新たな命を与え続ける芸術家の。